A Nova Hollywood, também chamada de Hollywood pós-clássica e, às vezes, American New Wave, refere-se a um movimento cinematográfico estadunidense que renovou significativamente a produção técnica e estética da indústria de cinema dos Estados Unidos na década de 1970, após vivenciar uma profunda crise econômica e de paradigmas na primeira metade dos anos 1960.
Distinto das propostas estéticas e das condições de produção de estúdio estabelecidas nas gerações anteriores da chamada "era de ouro de Hollywood", embora também tivesse sido influenciado por esse, o cinema autoral da Nova Hollywood procurou se inspirar no cinema de vanguarda europeu da década de 1960 e dialogar direta ou indiretamente com contexto político de sua época, cujas temáticas principais eram a defesa da contracultura, da igualdade racial, da liberalização de costumes e do pacifismo, produzindo uma geração de cineastas libertos do controle dos grandes estúdios e com um olhar mais crítico e incisivo sobre a sociedade estadunidense.
Influenciados por John Cassavetes, Robert Mulligan, Arthur Penn, Robert Aldrich, Sam Peckinpah e Don Siegel, a nova geração formada por jovens cineastas como Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Peter Bogdanovich, Michael Cimino, Paul Schrader, George Lucas, Steven Spielberg e Brian De Palma ganhou notoriedade, ao assumir um protagonismo como diretores autorais e influenciar os tipos de filmes realizados, a sua produção e distribuição e seu relacionamento com os grandes estúdios.
Embora não haja consenso entre a crítica especializada sobre a periodização da Nova Hollywood , costuma-se atribuir o ano de 1967 como o início do movimento, quando foi lançado o aclamado Bonnie e Clyde, de Arthur Penn, e o seu ocaso em 1980, com o fracassado Heaven's Gate, de Michael Cimino, que provocou a falência da United Artists. Já o seu ápice teria ocorrido em 1972, quando foram lançados The Godfather e What's Up, Doc?, dois dos mais populares títulos do movimento.
História Após o caso United States v. Paramount Pictures, Inc. (que encerrou as reservas em bloco e a propriedade de cadeias de cinemas por estúdios de cinema) e o advento da televisão, que enfraqueceram gravemente o sistema de estúdio tradicional, os estúdios de Hollywood inicialmente usaram o espetáculo para manter a lucratividade. Technicolor desenvolveu um uso muito mais difundido, enquanto processos widescreen e melhorias técnicas, como CinemaScope, som estéreo e outros, como 3-D, foram inventados para reter a audiência cada vez menor e competir com a televisão. No entanto, eles geralmente não tiveram sucesso em aumentar os lucros.David E James, Allegories of Cinema, American film in the Sixties, Princeton University Press, New York, 1989, pp. 14–26 Em 1957, a revista Life revista chamou a década de 1950 de "a década horrível" para Hollywood.
Os anos 1950 e o início dos anos 1960 viram uma Hollywood dominada por musicais, épicos históricos e outros filmes que se beneficiaram das telas maiores, enquadramento mais amplo e som aprimorado. Portanto, já em 1957, a época foi apelidada de "Nova Hollywood". No entanto, a participação do público continuou a diminuir e atingiu níveis alarmantemente baixos em meados da década de 1960. Vários fracassos caros, incluindo Tora! Tora! Tora! e Hello, Dolly!, e as tentativas fracassadas de replicar o sucesso de The Sound of Music, colocaram grande pressão sobre os estúdios.
Na época em que a geração baby boomer estava amadurecendo na década de 1960, a "Velha Hollywood" estava perdendo dinheiro rapidamente; os estúdios não tinham certeza de como reagir às mudanças demográficas do público. A mudança no mercado durante o período foi de um público de meia-idade com ensino médio em meados da década de 1960 para um grupo demográfico mais jovem e rico com ensino superior: em meados da década de 1970, 76% de todos os cinéfilos tinham menos de 30 anos, 64% dos quais tinham feito faculdade. Filmes europeus, de arte e comerciais (especialmente a Commedia all'italiana, a Nouvelle vague, o Spaghetti western) e o cinema japonês e stavam fazendo um respingo no Estados Unidos — o enorme mercado de jovens descontentes parecia encontrar relevância e significado artística em filmes como Blowup de Michelangelo Antonioni, com sua estrutura narrativa oblíqua e nudez feminina full-frontal.David A Cook, "Auteur Cinema and the film generation in 70s Hollywood", in The New American Cinema by Jon Lewis (ed), Duke University Press, New York, 1998, pp. 1–4Stefan Kanfer, The Shock of Freedom in Films, Time Magazine, 8 de dezembro de 1967, Acessado em 25 de abril de 2009,
O desespero sentido pelos estúdios durante esse período de retração econômica, e após as perdas com os caros fracassos do cinema, levou à inovação e à tomada de riscos, permitindo maior controle por diretores e produtores mais jovens Portanto, na tentativa de capturar aquele público que encontrou uma conexão com os "filmes de arte" da Europa, os estúdios contrataram uma série de jovens cineastas (alguns dos quais foram orientados por Roger Corman) e lhes permitiram fazer seus filmes com relativamente pouco controle de estúdio. Isso, junto com a quebra do Código de Produção em 1966 e o novo sistema de classificação em 1968 (refletindo a crescente segmentação do mercado), definiu o cenário para Nova Hollywood.
Bonnie and Clyde Um filme que definiu a geração da Nova Hollywood foi Bonnie and Clyde (1967).
Produzido e estrelado por Warren Beatty e dirigido por Arthur Penn, sua combinação de violência gráfica e humor, bem como seu tema de juventude glamorosa e insatisfeita, fez sucesso com o público. O filme ganhou o Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante (Estelle Parsons)Estelle Parsons winning Best Supporting Actress-Oscars on YouTube e Melhor Fotografia.Burnett Guffey winning the Oscar® for cinematography for "Bonnie and Clyde"-Oscars on YouTube1968|Oscars.org
Seu retrato da violência e ambigüidade em relação aos valores morais, e seu final surpreendente, dividiu os críticos. Após uma das críticas negativas, a revista Time recebeu cartas de fãs do filme e, de acordo com o jornalista Peter Biskind, o impacto da crítica Pauline Kael em sua crítica positiva do filme (outubro de 1967, New Yorker) levou outros críticos a segui-la conduzir e reavaliar o filme (notavelmente Newsweek e Time). Kael chamou a atenção para a inocência dos personagens do filme e o mérito artístico do contraste disso com a violência do filme: “Em certo sentido, é a ausência de sadismo - é a violência sem sadismo - que joga o audiência desequilibrada em Bonnie and Clyde. A brutalidade que surge dessa inocência é muito mais chocante do que as brutalidades calculadas de assassinos cruéis. "Kael também observou a reação do público ao clímax violento do filme e o potencial de empatia com a gangue de criminosos em termos de sua ingenuidade e inocência, refletindo uma mudança nas expectativas do cinema americano.Pauline Kael, "Bonnie and Clyde" in, Pauline Kael, For Keeps (Plume, New York, 1994) pp. 141–57. Originally published in The New Yorker, October 21, 1967
Matéria de capa da revista Time em dezembro de 1967, celebrou o filme e a inovação no cinema New Wave americano. Este influente artigo de Stefan Kanfer afirmou que Bonnie and Clyde representavam um "Novo Cinema" por meio de suas linhas de gênero borradas e desconsiderando aspectos respeitados da trama e da motivação, e que "Tanto na concepção quanto na execução, Bonnie and Clyde são um divisor de águas, o tipo que sinaliza um novo estilo, uma nova tendência." Biskind afirma que esta revisão e reviravolta por alguns críticos permitiu que o filme fosse relançado, provando assim seu sucesso comercial e refletindo a mudança para Nova Hollywood. O impacto deste filme é importante para entender o resto da New Wave americana, bem como as condições que foram necessárias para isso.
Esses sucessos iniciais pavimentaram o caminho para o estúdio abrir mão do controle quase total para esses jovens cineastas inovadores. Em meados da década de 1970, filmes originais idiossincráticos e surpreendentes, como Paper Moon, Dog Day Afternoon, Chinatown e Taxi Driver, entre outros, tiveram enorme sucesso comercial e de crítica. Esses sucessos dos membros da Nova Hollywood levaram cada um deles a fazer exigências cada vez mais extravagantes, tanto no estúdio como, eventualmente, no público.
Características Essa nova geração de cineastas de Hollywood era o mais importante, do ponto de vista dos estúdios, jovem, portanto capaz de atingir o público jovem que estavam perdendo. Este grupo de jovens cineastas — atores, escritores e diretores — apelidado de "Nova Hollywood" pela imprensa, mudou brevemente o negócio do sistema de Hollywood dirigido por produtores do passado.
Todd Berliner escreveu sobre as práticas narrativas incomuns do período. A década de 1970, diz Berliner, marca a transformação formal mais significativa de Hollywood desde a conversão para o filme sonoro e é o período definidor que separa os modos de contar histórias da era do estúdio e da Hollywood contemporânea. Os novos filmes de Hollywood se desviam das normas narrativas clássicas mais do que os filmes de Hollywood de qualquer outra era ou movimento. Seus dispositivos narrativos e estilísticos ameaçam inviabilizar uma narração direta. Berliner argumenta que cinco princípios governam as estratégias narrativas características dos filmes de Hollywood dos anos 1970: Os filmes dos anos setenta mostram uma tendência perversa de integrar, de maneiras incidentais, narrativas, informações de história e dispositivos estilísticos contraproducentes para os propósitos narrativos evidentes e essenciais dos filmes. Os cineastas de Hollywood dos anos 1970 muitas vezes situam suas práticas cinematográficas entre as da Hollywood clássica e as do cinema de arte europeu e asiático. Os filmes dos anos setenta provocam respostas do espectador mais incertas e desconfortáveis do que as do cinema mais típico de Hollywood. As narrativas dos anos 1970 colocam uma ênfase incomum na indecisão, especialmente no momento do clímax ou nos epílogos, quando os filmes mais convencionais de Hollywood se ocupam em amarrar pontas soltas. O cinema dos anos setenta atrapalha a linearidade e o ímpeto da narrativa e esgota seu potencial para gerar suspense e emoção.
Thomas Schatz aponta para outra diferença com a Idade de Ouro de Hollywood, que trata da relação entre personagens e enredo. Ele argumenta que o enredo nos filmes clássicos de Hollywood (e em alguns dos filmes anteriores da Nova Hollywood, como The Godfather) "tendia a emergir mais organicamente em função dos impulsos, desejos, motivações e objetivos dos personagens centrais". No entanto, a partir de meados da década de 1970, ele aponta para uma tendência de que "personagens se tornam funções de enredo".
Durante o auge do sistema de estúdio, os filmes eram feitos quase que exclusivamente em estúdios isolados. O conteúdo dos filmes era limitado pelo Código de Produção Cinematográfica e, embora os cineastas da era dourada encontrassem brechas em suas regras, a discussão de mais conteúdo tabu por meio do filme foi efetivamente evitada. A mudança em direção a um "novo realismo" foi possível quando o sistema de classificação de filmes da Motion Picture Association of America foi introduzido e a filmagem em locações se tornou mais viável.
Por causa dos avanços na tecnologia de filme (por exemplo, a câmera Panavision Panaflex, lançada em 1972), os cineastas da Nova Hollywood puderam filmar filmes de 35 mm em exteriores com relativa facilidade. Como a filmagem em locações era mais barata (não é necessário construir conjuntos), os cineastas da Nova Hollywood rapidamente desenvolveram o gosto pela filmagem em locações, resultando em uma abordagem mais naturalista da filmagem, especialmente quando comparada à abordagem estilizada dos musicais clássicos de Hollywood e espetáculos feitos para competir com televisão durante os anos 1950 e início dos anos 1960.