El término Música Modernista, también denominada Nueva música o música Moderna, hace referencia a la música culta de tradición europea compuesta aproximadamente entre los años 1910 y 1975. Fue precedida por la música del Romanticismo y posromanticismo (1820-1900) y su sucesora es la música clásica contemporánea (1975-actualidad) aunque es motivo de debate y controversia entre expertos el momento exacto de esa sucesión estilística.
La música modernista está basada en los valores filosóficos y estéticos del modernismo teniendo como eje principal la ruptura con la tradición académica, la permanente búsqueda de la innovación y la libertad creativa del compositor. Está estrechamente ligada al vanguardismo y generó distintos sub-movimientos como el futurismo, el primitivismo, el microtonalismo, el dodecafonismo y serialismo, el neoclasicismo, la música electrónica, la música aleatoria, la micropolifonía y masas sonoras, el minimalismo, la música con influencias del jazz o la música incidental y cinematográfica. Por ello, y a diferencia de períodos musicales anteriores, se considera que los compositores adscritos a este período participaron en diferentes movimientos musicales ya sea simultáneamente o como evolución en sus trayectorias artísticas.
Principios
Se da el nombre de modernismo a una serie de movimientos basados en el concepto de que, siendo el una época de fundamentales cambios sociales y tecnológicos, el arte y las manifestaciones artísticas deben adoptar y desarrollar estos principios como fundamento estético.
El modernismo toma el espíritu progresista de fines del y su apego por el rigor del avance tecnológico. Por ello la tradición académica, las normas y formalismos del arte de la época y la tradición pasan a un segundo plano. De esta manera la característica principal del modernismo es la pluralidad del lenguaje, entendiendo que ningún lenguaje musical en particular asumió una posición dominante.
Técnicamente hablando el modernismo musical tiene tres características principales que lo distinguen de los períodos anteriores: La expansión o abandono de la tonalidad. El uso de las técnicas extendidas. La incorporación de sonidos y ruidos novedosos en la composición.
Principales técnicas, estilos y movimientos del modernismo Futurismo miniatura|Luigi Russolo (1885-1947) compositor italiano representante del futurismo y creador de El arte de los ruidos como manifestación musical de este movimiento.
El futurismo fue uno de los movimientos iniciales de vanguardia en la Europa del . Esta corriente artística fue fundada en Italia por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944), quien redacta el Manifiesto Futurista, y lo publica el 20 de febrero de 1909 en el diario Le Figaro de París.Este movimiento buscaba la ruptura con las tradiciones artísticas del pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Intentó enaltecer la vida contemporánea por medio de dos temas principales: la máquina y el movimiento. Con el fin de construir de nuevo el perfil del mundo el futurismo recurría a cualquier medio de expresión: artes plásticas, arquitectura, poesía, publicidad, moda, cine y música.
Los primeros trabajos futuristas en el campo de la música empezaron en 1910 mismo año en que se hace público por parte de Francesco Balilla Pratella (1880-1955) del Manifiesto de los músicos futuristas. En dicho manifiesto Pratella define la música futurista como un estilo dominado por «el atonalismo, la enarmonía, la polifonía en sentido absoluto y el ritmo libre».
Junto con Pratella el principal representante del futurismo en la música fue Luigi Russolo (1885-1947). Impulsó el manifiesto L'arte dei Rumori (1913) como consecuencia de los estudios previamente realizados por Pratella. La «música de ruidos» fue posteriormente incorporada a sus performances como música de fondo cual partitura o guía para los movimientos de los intérpretes. También inventó una máquina de ruido llamada Intonarumori, o "entonador de ruidos", duramente criticada en su época. Entre sus obras más significativas destaca Los Relámpagos (1910).Considerado el antecedente de la música concreta Russolo creó un lenguaje sonoro en el cual se legitimó el empleo de cualquier sonido para la composición musical independientemente de que su origen o técnica fuera natural o artificial.
Atonalismo miniatura|Aleksandr Skriabin (1872-1915) fue uno de los iniciadores del atonalismo, famoso por la utilización de su acorde místico.
Los primeros antecedentes de la música europea en la que se hallan composiciones atonales se encuentran en el compositor y pianista austro-húngaro Franz Liszt (1881-1886) en su composición Bagatelle sans tonalité (1885). Ya entonces la crítica especulaba con una "crisis de la tonalidad" cuya causa fue la utilización cada vez más habitual por parte de compositores de acordes, armonías, modulaciones, melodías y ritmos con inflexiones inesperadas e inusuales dentro de la música tonal. Los límites entre lo excepcional y lo normal se fueron difuminando dando como resultado la decadencia y paulatina desaparición del modo tradicional en que tonos y armonías habían sido relacionados en la música durante los siglos , y .
A principios del compositores como Claude Debussy (1862-1918), Aleksandr Skriabin (1872-1915), Béla Bartók (1881-1945), Paul Hindemith (1895-1962), Serguéi Prokófiev (1891-1953), Carl Ruggles (1876-1971), Ígor Stravinski (1881-1972) y Edgar Varèse (1883-1965) crearon música que se ha descrito, total o parcialmente, como atonal. Entre ellos destacan las obras del compositor y pianista ruso Skriabin quien creara un particular estilo de impresionismo y atonalidad, basando obras como Mysterium, Le Poème de l'extase o Prométhée en un acorde por cuartas y tritonos llamado «acorde místico» muy alejado de los habituales acordes de tríada formados por intervalos de tercera.
Considerada como la antecesora del dodecafonismo la primera fase del atonalismo, conocida como "atonalidad libre" o "cromatismo libre", implicó un intento consciente de evitar la armonía diatónica tradicional. Las obras más importantes de este periodo son la ópera Wozzeck (1917-1922) de Alban Berg (1885-1935) y Pierrot Lunaire (1912) de Arnold Schönberg (1874-1951). El primer período de piezas libremente atonales de Schönberg (1908-1923) tienen a menudo como un elemento integrador a una célula interválica que, además de la expansión se puede transformar en una fila de tonos, y en el que las notas individuales pueden "funcionar como elementos fundamentales, para permitir la superposición de estados de una célula básica o la interconexión de dos o más células básicas".
Otros compositores en Estados Unidos como Charles Ives (1874-1954), Henry Cowell (1897-1965) y más adelante George Antheil (1900-1959) produjeron música impactante para la audiencia de la época por su desprecio de las convenciones musicales. Combinaron frecuentemente música popular con aglutinación o politonalidad, extremas disonancias, y una complejidad rítmica en apariencia inejecutable. El musicólogo estadounidense Charles Seeger enunció el concepto de «contrapunto disonante» una técnica usada por, entre otros, los compositores Carl Ruggles (1876-1971) y Ruth Crawford Seeger (1901-1953).
Primitivismo
miniatura|Fotografía de Ígor Stravinski (1882-1971) cuya obra La consagración de la primavera es considerada la más importante del . El primitivismo fue un movimiento de las artes que pretendía rescatar el folclore más arcaico de ciertas regiones con un lenguaje moderno. Similar al nacionalismo en su afán por rescatar lo local, el primitivismo incorporó además estructuras musicales métricas y acentuaciones irregulares, un mayor uso de la percusión y otros timbres, escalas modales, y armonía politonal y atonal. Dentro del género los dos compositores más destacables fueron el ruso Ígor Stravinski y el húngaro Béla Bartók aunque la obra de ambos sobrepasa con creces la denominación "primitivista".
El primero de los períodos estilísticos más importantes de Ígor Stravinski (1882-1971), excluyendo algunos trabajos menores tempranos, fue inaugurado por los tres ballets que compuso para el empresario Serguéi Diáguilev estrenados en París. Estos ballets tienen varias características compartidas: están compuestos para ser interpretados por orquestas sumamente grandes; los temas y motivos argumentales se basan en el folclore ruso; y llevan la marca de Nikolái Rimski-Kórsakov tanto en su desarrollo como en su instrumentación. L'Oiseau de feu (1910) es notable por su inusual introducción (tríos de cuerdas bajas) y barrido de la orquestación. Petrushka (1911) también se anota distintamente y es el primero de los ballets de Stravinski que utiliza la mitología folclórica Rusa. Pero es en el tercer ballet, Le Sacre du printemps (1913), el generalmente considerado la cima del "Período Primitivista Ruso" de Stravinski. Aquí, el compositor utiliza la brutalidad de la Rusia pagana, reflejando estos sentimientos en la agresiva interpretación, armonía politonal y ritmos abruptos que aparecen a lo largo de la obra. Hay varios pasajes famosos en esta obra pero destacan dos: el primer tema basado en los sonidos del fagot con las notas en el límite de su registro, casi fuera de rango; y el ataque rítmicamente irregular (utilizando el recurso típico del período ruso stravinskiano de tomar una célula rítmica breve e ir desplazando su acentuación) de dos acordes superpuestos utilizando solo el talón del arco por las cuerdas y haciendo más evidente la reorganización permanentemente cambiante del motivo inicial, duplicando con los bronces los acordes que resultan acentuados cada vez. Le Sacre du printemps es considerada no solo la obra más importante del primitivismo o de Stravinsky, sino de todo el , tanto por su ruptura con la tradición y por su influencia mundial a pesar de que durante su estreno generó el rechazo del público comenzó a abuchear la obra cuando ésta aún no había finalizado y la crítica se dividió entre el apoyo de los modernistas franceses y los reaccionarios autores románticos y post-románticos que la consideraron una sucesión estruendosa e incomprensible de sonidos y ruidos.
Otras piezas destacadas de este estilo en Stravinski incluyen Le rossignol (1914), Renard, Histoire burlesque chantée et jouée (1916), L'Histoire du soldat (1918) y Les noces (1923), instrumentada para una original combinación de cuatro pianos y percusión con participación vocal. En estas obras el músico llevó al límite la herencia de la escuela nacionalista rusa hasta prácticamente agotarla.
miniatura|Béla Bartók (1881-1945) fue el creador de la etnomusicología, y gracias a sus investigaciones creó numerosas obras basadas en el folclor europeo. Béla Bartók (1881-1945) fue un músico húngaro que destacó como compositor, pianista e investigador de música folclórica de la Europa oriental (especialmente de los Balcanes). Bartók fue uno de los fundadores de la etnomusicología, basada en las relaciones que unen la etnología y la musicología. A partir de sus investigaciones desarrolló un estilo muy personal e innovador.